Resident Evil : L’interview du réalisateur Zach Cregger

Le nouveau film Resident Evil fera sa sortie au cinéma le 16 septembre en France, et avec lui, Zach Cregger, son réalisateur, est de retour.

Après le succès d’Évanouis, et le succès retentissant de Barbare, Cregger a récemment lancé les projections de son dernier film, ne partageant qu’une demi-heure avec les médias afin de ne pas dévoiler les surprises qu’il leur réserve.

Les images laissaient présager que Cregger avait peut-être livré sa meilleure œuvre à ce jour. Tout aussi original, selon lui, que ses films précédents (même s’il s’inspire d’une franchise de jeu vidéo très célèbre), ce Resident Evil est un récit intense et captivant qui suit un coursier médical incarné par Austin Abrams, l’une des stars d’Évanouis.

Une nuit, alors qu’il traverse une zone enneigée et obscure, le coursier se retrouve confronté aux conséquences d’une contagion : le tristement célèbre virus T de la Umbrella Corporation. Le chaos s’ensuit. Cregger explique que le défi créatif de Resident Evil était de « foncer à toute allure dès la sixième minute et de ne plus relâcher la pression », plongeant ainsi le spectateur au cœur de l’enfer.

À l’approche de la sortie de son film, Cregger s’est entretenu sans détour avec les médias sur une grande variété de sujets, allant des conditions brutales qui ont donné naissance à son film, au charisme d’Abrams, en passant par les rumeurs de casting de Mikey Madison, les scénarios « elfiques » et les raisons pour lesquelles il « ne s’attaquera à aucune autre franchise » même s’il a peut-être une comédie romantique en lui.

Éclairant d’un jour nouveau la genèse de son prochain film, le thriller de science-fiction spatial de Warner Bros, The Flood, Cregger aborde également son préquel d’Évanouis, Gladys ; les inspirations tonales de la comédie noire à venir, Little One, dont il est producteur ; le film qui l’a fait « mourir de rire » au cinéma cette année ; la folie Obsession / Backrooms ; et plus encore.

Vous avez déjà évoqué une technique d’écriture créative que vous affectionnez particulièrement, appelée « elfing », qui consiste à imaginer qu’un elfe idiot, payé 10 $, rédige votre première ébauche. C’est une façon de surmonter l’intimidation de la page blanche qui s’est avérée efficace pour vous. L’avez-vous utilisée pour Resident Evil ?

Il n’y avait pas vraiment de version « finie » de ce scénario. C’était un processus complètement différent pour moi, car l’idée m’est venue sur le tournage de Barbarian. J’étais en Bulgarie et mon producteur, Roy Lee, m’a demandé : « Y a-t-il une franchise de jeux vidéo que tu aimerais adapter ? » Et j’ai répondu : « Seulement Resident Evil . » Mais bon, bonne chance ! Parce qu’à ce moment-là, Barbarian n’était pas encore sorti ; je n’avais aucune idée de ce que ça pourrait donner. Il m’a dit : « Tu devrais réfléchir à une idée. Tu devrais réfléchir à ce que ça pourrait être. » Je n’ai pas pu m’en empêcher ; je réfléchissais. Et puis Barbarian est sorti et a cartonné. Alors je me suis dit : OK, je peux aller frapper à leur porte et leur présenter cette idée.
J’avais trouvé le concept… l’idée de base ? [ Rires ] Quel prétentieux je suis devenu ! J’avais le concept du film. J’ai donc déjeuné avec Constantine et je lui ai dit : « Voilà ce que je ferais. J’aimerais transposer ça dans le genre survival horror. Je voudrais faire un film qui procure les mêmes sensations qu’un jeu Resident Evil. Donc, sombre, horrifique avant tout, un coursier médical, blablabla. » J’ai en quelque sorte esquissé toute l’histoire. Ça m’a pris 30 secondes – c’est une histoire très simple – et ils ont adoré. Ils étaient partants, et j’ai donc pu commencer à écrire, ayant déjà le début, le milieu et la fin en tête.
Je l’ai écrit avec mon pote Shay [Hatten], et le processus d’écriture a été super rapide. En gros, je disais : « OK, en gros, tu vas là. » C’était le genre de truc où on a plein d’idées. Je ne me suis jamais demandé : « Mon Dieu, qu’est-ce qui pourrait se passer ? » C’était toujours : « Ah ! Alors ils vont sauter du toit. » Du coup, c’était facile.
D’ailleurs, je ne pensais toujours pas qu’ils allaient me laisser le réaliser. Je me disais plutôt qu’ils allaient engager un grand nom pour faire ce film, évidemment. C’est leur propriété la plus précieuse ; c’est une marque connue de tous, et c’est très bien comme ça. Je m’en fichais complètement. Alors je l’ai écrit de façon très libre, très spontanée, ce qui est une bonne façon d’écrire. Et une fois terminé, j’adorais le scénario et je me disais : « J’espère vraiment pouvoir le faire. Ce serait génial. »
Ensuite, ce fut l’heure d’Évanouis, et une fois cela fait, j’ai réussi.

Vous retrouvez Austin Abrams après lui avoir offert un rôle incroyable dans Évanouis. Entre ce film, Resident Evil et Whalefall, vous et Brian Duffield lui avez donné une opportunité en or : celle de prouver qu’il a l’étoffe d’une star de cinéma. Quand avez-vous décelé ce potentiel chez lui pour la première fois ?

Oh, eh bien, quand je travaillais sur Évanouis, c’était évident pour moi. Franchement, je dois dire que j’étais un fan absolu d’Austin Abrams depuis Brad’s Status. Je me souviens avoir vu Brad’s Status, ce film de Mike White, et m’être dit : « Mais qui est ce type ? Qui est ce gamin qui crève l’écran sans même y penser ? » Je me disais : « Incroyable le culot de ce gamin de jouer avec Ben Stiller, dans un huis clos, et de le terrasser comme ça, sans le moindre effort. » C’était une performance d’une audace incroyable. Il avait 19 ans à l’époque, et c’est tellement sobre, il donne l’impression que c’est si facile. C’est le genre de performance que les maîtres du jeu d’acteur préparent pendant 60 ans avant d’être enfin capables de livrer une telle prestation – et Austin, lui, l’a fait.
Alors, j’ai tout de suite été convaincu : « Je suis à fond sur ce gamin. » J’essayais même de voir si je pouvais l’avoir dans Barbarian. C’est dire à quel point j’étais fan d’Austin. Et puis, on a tourné Évanouis et tout ce que je pensais de lui s’est confirmé. Il est génial. On s’entendait super bien. On se faisait rire tout le temps. Il apportait une énergie incroyable sur le plateau. Je me suis dit : « C’est lui, mec. C’est mon gars. » Du coup, quand il a fallu monter Resident Evil, il n’y avait même pas d’autre option.
Je suis allé voir Tom Rothman de Sony. J’étais à New York pour le montage d’Évanouis, mais on a fait une visioconférence sur Resident Evil et je lui ai dit : « C’est Austin Abrams. » Et, à son crédit, il a répondu : « Carrément, il est génial. » Il savait. Il avait vu Austin dans Wolfs de Jon Watts et il avait dit : « Ouais, ce gamin est vraiment talentueux. »

Avant l’annonce du casting d’Austin, des rumeurs circulaient selon lesquelles vous aviez repéré Mikey Madison pour un rôle dans Resident Evil. Y avait-il du vrai dans tout ça ?

Jamais. Je ne sais pas comment ça a commencé. Je l’adore, elle est formidable, mais ça n’a jamais été le cas.

Vous avez évoqué l’idée d’aborder Resident Evil comme une œuvre originale créée dans le cadre d’une propriété intellectuelle préexistante…

Oui, mais ça a été complètement sorti de son contexte. Ce que je veux dire, c’est que c’est une histoire originale, mais ça reste une histoire de Resident Evil. Je ne reprends pas une histoire des jeux ; c’est ce que ça signifie.

Il semble que la démarche créative la plus astucieuse et la plus stimulante aujourd’hui soit de maîtriser une franchise à gros budget tout en y apportant une touche personnelle. Vous avez clairement exprimé votre passion pour Resident Evil, qui vous a poussé vers ce projet et dont vous avez été l’initiateur. Mais en tant que réalisateur de votre envergure, avec de nombreuses options, avez-vous déjà subi des pressions pour vous lancer dans des blockbusters ou des franchises importantes ? Des projets sur lesquels votre vision était moins claire ?

Je n’ai jamais été approché par une autre franchise. Et ça ne m’arrivera plus jamais car j’ai été très clair : je ne m’y risquerais pas. Je me consacre à ça, et c’est tout. Je ne vais donc pas m’attaquer à d’autres franchises, tout simplement parce que je suis scénariste et que je veux écrire ce que j’ai envie d’écrire. Je ne veux pas écrire quelque chose où je dois constamment jongler avec différents éléments pour satisfaire certaines exigences. Je veux juste me faire plaisir. Et la seule raison pour laquelle je pense que Resident Evil est une bonne chose pour moi, c’est que je suis passionné par les jeux, que j’aime l’histoire que j’ai pensée en les imaginant et que je réalise ce film pour moi. Je trouve ce film génial et j’espère qu’il plaira aux fans, car j’en suis un moi-même et je suis comblé. Je réalise le film Resident Evil dont j’aurais rêvé, donc je peux le faire l’esprit tranquille et la conscience tranquille, sans avoir l’impression d’être exploité par une quelconque industrie.

Vos trois films à ce jour révèlent un cinéaste intéressé par la structure. Qu’est-ce qui vous passionne dans l’innovation autour de la structure cinématographique ?

Je suis fasciné par la façon dont on raconte des histoires. J’aime la structure, j’aime la décortiquer, j’aime la comprendre. Il faut connaître les règles pour les enfreindre, non ? Par exemple, The Flood, mon prochain film, est un autre film à la structure atypique. Comme Barbarian et Évanouis, il ne change pas radicalement de point de vue, mais sa structure est, je crois, habile. L’objectif de Resident Evil était tout autre : je voulais prouver que je n’avais pas besoin de recourir à des artifices narratifs, que je pouvais simplement suivre un personnage du point A au point B et rester captivant. Le vrai défi de Resident Evil était de savoir si je pouvais maintenir le rythme effréné à partir de la sixième minute et ne jamais relâcher l’effort. Si j’y parvenais, quel défi ! Il y a quelques moments dans ce film où [le personnage d’Austin] s’accorde un bref répit, alors peut-être ai-je échoué. Mais j’adore le résultat.

Vous venez du monde de la comédie, et The Flood , si l’on en croit les informations disponibles, est un thriller de science-fiction. L’idée de couvrir tous les genres vous enthousiasme-t-elle ?

Non, le genre m’importe peu. Ce qui compte, c’est l’idée que j’ai. Je ne me demande donc pas quel genre aborder. J’espère juste avoir une bonne idée, et quelle qu’elle soit, c’est suffisant. Il se trouve que ces derniers temps, je me sens particulièrement inspiré par les comédies de genre. Mais si j’avais une idée géniale pour une comédie romantique, je la tenterais.

« The Flood » était l’un des trois scénarios que vous avez écrits coup sur coup ; vous aviez toujours eu l’intention de l’adapter. Pouvez-vous nous en dire plus sur ce que vous y avez puisé ? Qu’est-ce qui a fait de ce projet un incontournable ?

L’idée de The Flood m’est venue un peu par enthousiasme à l’idée de travailler avec Steven Spielberg. On se trouvait dans une situation particulière : j’avais très peu de temps pour avoir une idée et on pouvait se concerter. En gros, cinq jours pour trouver une idée. Et là, je suis entré dans un état d’esprit que je n’ai jamais connu auparavant : une sorte de frénésie. Je me disais : « Il faut absolument que je trouve une idée pour Steven Spielberg ! » J’étais complètement obsédé. Et puis, je regardais un film, et un personnage entrait dans un vaisseau spatial abandonné. Ma femme m’a dit : « Il n’y a rien de plus effrayant que d’être coincé dans l’espace. » Et moi, je me suis dit : « Oh, c’est intéressant. Il y a peut-être quelque chose à creuser. » Et puis, ce personnage entre dans le vaisseau et découvre quelque chose d’assez bizarre et terrifiant. Et je me suis demandé : « Qu’est-ce qui pourrait être plus bizarre et plus effrayant que ça ? Qu’est-ce qui pourrait arriver dans ce scénario pour me faire encore plus flipper ? » Et ça ne m’était jamais arrivé auparavant, mais en un éclair, j’ai vu tout le film exploser sous mes yeux. Je savais d’instinct ce que ça pouvait être ; je crois que je me suis levé d’un bond et que j’ai crié : « Ça y est ! » C’était un moment complètement absurde, mais j’adore. Du coup, j’ai écrit ça en même temps que Resident Evil. J’écrivais ces deux films simultanément.

Pour Resident Evil, revenons à ce que vous avez dit sur le cinéma comme une guerre psychique…

Oui. C’est une véritable guerre psychologique, car réaliser un film est un travail sans répit. C’est un processus long et éprouvant, et chaque jour, on est complètement épuisé, et pourtant, il faut recommencer le lendemain, et le surlendemain, et encore le surlendemain, pendant des mois et des mois. C’est tellement exigeant, et c’est à la fois absurde et absurde. Je crois que je n’avais pas réalisé que le plus difficile dans la réalisation d’un film, ce ne sont pas les aspects créatifs. Ce n’est pas le placement de la caméra ni les indications à donner aux acteurs. C’est l’immense pression constante liée à la logistique, la gestion des équipes et toutes ces choses dont on ne parle pas à l’école de cinéma.

Mais quelle a été la particularité la plus brutale de ce projet ?

C’était des tournages de nuit. Le temps était absolument pourri. Je tournais en République tchèque, donc il y avait un énorme fossé linguistique et culturel, et j’essayais de faire en sorte que tout le monde voie exactement le même film que moi. Ça demandait une énergie folle. Tu sais, quand tu fais un film, peu importe le nombre de personnes sur le plateau, elles puisent toutes ton énergie. Tu dois fournir de l’énergie à toute l’équipe, et c’est énorme.

Vous avez même dit avoir fini par réaliser à distance, avec une perfusion intraveineuse, pour le film Évanouis.

Oui. Mon corps m’a lâché. Mais en plus, je tournais à Atlanta, il faisait une chaleur et une humidité insupportables, et j’avais passé des jours et des jours à essayer de faire courir et sauter 17 enfants par les fenêtres. [ Rires ] Et je faisais des doubles d’heures six jours par semaine avec mon chef opérateur. C’était épuisant !

Pensez-vous que la force mentale que vous avez dû puiser en vous en tant que cinéaste soit innée ? Ou est-ce quelque chose que vous avez vraiment dû cultiver ?

Non ! Je ne l’ai même pas : je le fais juste parce qu’il le faut. Je ne suis pas spécial. Je suis une personne normale, alors non, ce n’est pas difficile.

En tant que producteur, vous avez déjà terminé le tournage d’un autre film, une comédie noire intitulée Little One. Qu’est-ce qui vous passionne dans le domaine de la comédie ? Et quel est votre point de vue sur la comédie aujourd’hui, vous qui êtes connu pour vos films à succès qui marquent les esprits ? Que faudrait-il pour que les gens se souviennent qu’une comédie peut être une comédie ?

Oh, je ne sais pas. J’ai tellement envie que la comédie revienne au théâtre ! Quand j’ai vu The Drama cette année, j’étais plié de rire, et le public aussi. Je me disais : « C’est génial ! On peut revivre ça ? S’il vous plaît, on peut revivre ça ? » Pour Little One , je suis impliqué parce que le réalisateur, Alex Kavutskiy, est un ami et l’une des personnes les plus talentueuses que je connaisse. Je pense que ce type est vraiment exceptionnel, et c’est un honneur pour moi de collaborer avec lui. J’ai l’impression qu’il entame une carrière passionnante, et je suis super enthousiaste. Il fait un truc un peu à la Todd Solondz, à la Alexander Payne, en plus subtil, et ça me correspond parfaitement. J’adore. Je ne sais pas quelle comédie va enfin débloquer la situation et nous permettre de retrouver notre ami, mais il me manque. Notre ami me manque, et j’espère qu’il nous sourira à nouveau bientôt, car nous en avons besoin.

En juillet, on apprenait que vous collaboriez avec Brian Duffield sur une adaptation cinématographique pour Warner Bros du mème d’horreur viral Siren Head de Trevor Henderson. Ce projet fait partie de ceux qui émergent de l’incroyable engouement suscité par Obsession et Backrooms , des projets portés par de jeunes talents prometteurs du numérique. L’histoire nous a montré qu’il peut parfois être périlleux de suivre une tendance. Y a-t-il, selon vous, des leçons à tirer de cette situation ?

Je ne sais pas s’il y a de mauvaises leçons à tirer. Tout ce que je sais, c’est que si vous trouvez une histoire qui vous passionne, qui vous semble vraiment captivante et qui fonctionne, alors vous êtes sur la bonne voie. Si vous vous dites simplement : « Tiens, voilà une propriété intellectuelle à succès, je pense qu’on peut y caser quelque chose et le sortir au cinéma », eh bien, vous partez du mauvais pied, et je pense que vous allez probablement faire un mauvais film. Je pense que le fil conducteur devrait être : « Est-ce que j’aime cette histoire ? Est-ce que je l’aime suffisamment pour y consacrer un an de ma vie ? » C’est une décision importante, et j’ai fait l’erreur, dans ma vingtaine, de me dire : « Oh, j’ai l’opportunité de faire un film [ Miss March, sorti en 2009 ]. Je n’aime pas vraiment l’histoire, mais je pourrais faire un film dans lequel je joue. » Et qu’est-ce qui s’est passé ? J’ai fait un mauvais film, j’en ai souffert et j’ai gâché une année de ma vie à le réaliser. Et ce n’est pas juste de dire ça, car Trevor [Moore], avec qui j’ai fait ce film, n’est plus là. Il avait un avis assez différent sur ce film, et je pense qu’il ne serait pas d’accord avec moi. Je ne parle donc qu’en mon nom propre. Mais pour Siren Head, je trouve l’histoire qu’on a vraiment géniale, et qu’elle soit devenue un mème ou non, j’aurais envie de la raconter. Et je crois que c’est ça la leçon : elle doit se suffire à elle-même.

À quoi cela ressemble-t-il pour vous de trouver une histoire qui vous passionne suffisamment pour vous y engager pendant des années et persévérer jusqu’au bout ? Cela semble très difficile.

C’est long. Évanouis m’a pris deux ans et demi et Barbarian quatre ans. Moi, c’est une question de feeling. Par exemple, pour Flood , j’ai ce sentiment : « Je brûlerais ma maison pour faire ce film. » Si Dieu descendait du ciel et me disait : « Tu peux faire ce film, mais tu dois brûler ta maison », je répondrais : « OK, c’est fait. » Donc, si tu as cette mentalité, tu es probablement sur la bonne voie.

Y a-t-il d’autres jeunes cinéastes, dans la lignée de Kane Parsons et Curry Barker, qui vous enthousiasment particulièrement en ce moment ? Vous êtes un grand fan d’Ari Aster, qui est un cinéaste contemporain…

Je pense qu’Ari est la personne la plus intéressante à mes yeux. Je peux regarder un de ses films trente fois, tant l’explosion d’idées dans chaque scène est vraiment miraculeuse. Je le trouve profondément talentueux et une véritable source d’inspiration. Je suis en quelque sorte admiratif de lui, et j’espère qu’il continuera à réaliser des films toute ma vie.

Et les plus jeunes ?

J’ai adoré Obsession. Ça m’a vraiment fait flipper. Je trouvais qu’il avait une voix incroyable, et si c’est son premier film… Je sais qu’il a fait Milk & Serial (qu’il a auto-produit), mais si c’est son premier film avec une vraie équipe ! J’ai trop hâte de voir la suite, et j’ai entendu du bien de son prochain film, alors je suis super excité.

Avez-vous d’autres projets en cours d’écriture en ce moment, outre Siren Head et le préquel d’Évanouis ?

Ah, en fait, c’est Zach Shields qui écrit le préquel Gladys. Je développais l’histoire avec lui, mais c’est lui qui l’écrit.
Mais, oui, j’écris tout le temps. Mais ma méthode est complètement désorganisée. J’écris un peu comme si je me jetais à l’eau sans réfléchir. Je commence un truc, j’arrive à 30 pages, et puis je me dis : « Bof, non. » Alors je passe à autre chose et j’écris 50 pages d’autre chose, et je me dis : « Bof. » Ou alors j’écris la moitié d’un scénario, j’adore, et puis je ne sais pas comment ça doit se terminer, et ça reste là à me torturer pendant des années. Alors j’essaie de rester productive, mais on verra bien.

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